Helmet plays Betty

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Hoy viernes uno de los grupos absolutamente fundamentales de la vibrante escena neoyorquina de metal alternativo de los 90, mis adorados Helmet, se presentarán de nuevo en Madrid dispuestos a ofrecernos otro de sus intensos shows. Y este además es especial, puesto que conmemora el 20º aniversario de la edición de mi álbum favorito, y uno de sus más aclamados, “Betty”. Así pues, como ya han anunciado y como muchos otros artistas, Helmet harán las delicias de sus fans tocando “Betty” entero de principio a fin, un “Helmet plays Betty”, algo que ya hicieron en su anterior gira con su todavía más exitoso “Meantime”.

Helmet es una banda que a lo largo de su historia ha merecido mejor suerte. “Meantime” y “Betty” fueron grandes obras de metal alternativo de los 90s, pero ellos nunca llegaron a alcanzar el status de estrellas. Sus videos se veían en la MTV, sus fans les adoraban, otros músicos influyentes hablaban muy bien de ellos, y contaban con el apoyo de una multi como Interscope. “Meantime” vendió 2 millones de copias en la época; pero quizás se adelantaron a su tiempo o, en mi modesta opinión, les faltaba imagen y también algo más de accesibilidad en su música para llegar a las masas. Y eso que gozaron de oportunidades: “Milquetoast” se incluyó en la banda sonora de “El Cuervo”, una de las más famosas de la época; con House of Pain crearon esa joya titulada “Just Another Victim” para “Judgement Night”; con”Aftertaste” estuvieron de gira con la banda sensación del momento, Marilyn Manson; grupos como Deftones o Korn, que sí que triunfaron a nivel masivo, les tenían como una de sus máximas influencias; de hecho su productor Terry Date fue el artífice del sonido Deftones, y desde luego esos riffs cortados que popularizaría el nu-metal son marca de la casa de Helmet.

 

 

Hablar de Helmet es hablar de Page Hamilton, él es Helmet; y por desgracia, como muchas otras bandas de la época, sobrevive en esta industria actual saliendo de gira a tocar sus grandes éxitos o sus álbumes del pasado con músicos de talento bastante más jóvenes que él. La formación inicial de Helmet la componían Hamilton a la voz y guitarra, la base rítimica de John Stanier y Henry Bogdan, y Peter Mengede a la guitarra. Fue este último en primero en marcharse, y de hecho formó aquella otra banda maravillosa llamada Handsome. Fue sustituido por Rob Echevarria, que tras su pasó por Helmet se unió a Biohazard. Helmet son una banda legendaria, pero sólamente publicaron 4 álbumes en su primera etapa: los dos nombrados junto al inicial “Strap It On” y su obra final, “Aftertaste”; otro álbum que, en su momento, el difícil sucesor de “Betty” fue considerado una obra menor y que yo, tanto en aquella época como ahora, sigo disfrutando enormemente.

Tras el fracaso comercial de “Aftertaste”, Hamilton decidió poner punto final a Helmet, hasta que volvió en 2004 con una nueva obra titulada “Size Matters”. Tras ella han publicado otros dos álbumes correctos, a los cuáles desde mi punto de vista les falta algo de la magia de sus obras clásicas; pero que en cualquier caso permiten a Hamilton & Co seguir dentro de la industria, y para suerte nuestra, aparecer por estas tierras de manera más habitual que en su primera época. De hecho en su primera etapa tan sólo se les pudo ver en una gira, durante la segunda visita de Marilyn Manson a Madrid para presentar el “Antichrist Superstar”. Cartel muy extraño aquel domingo de Junio: Pist.On (hablaré algún día de ellos), Helmet con “Aftertaste” y Manson, que de tocar en Noviembre del 96 en una sala pequeña, llenaba tan sólo 8 meses después La Riviera. El volumen al que tocaron Helmet fue el más alto que yo habría presenciado nunca en una sala de esas características, y a día de hoy todavía recuerdo aquel concierto por ello. Posteriormente Hamilton volvería a España a presentar alguna de sus nuevas obras (quiero recordar que en la gira de “Monochrome”, hablo de memoria) y por supuesto la gira de 2012 donde tocaban “Meantime” entero.

Contando estoy los minutos para que esta joya comience a sonar en la sala Copérnico:

 

Un genio del humor llamado Weird Al Yankovic

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Creo que después de su actuación en los premios Emmy y su número uno en las listas de éxitos del Billboard de hace unas semanas es bueno hablar de un genio del humor llamado Weird Al Yankovic.

Vamos en primer lugar con la parte del éxito musical, porque hacía más de 50 años que un álbum definido como comedia no conseguía alcanzar el puesto más alto de la lista americana de éxitos. ¿Y cómo lo ha conseguido el amigo Yankovic? Pues como se suele conseguir esta hazaña hoy en día, con una campaña de comunicación muy potente pre-lanzamiento del álbum para que la semana de su salida al mercado se corone como número uno. Y hoy en día dicha campaña de comunicación tiene que conseguir convertirse en viral en las redes sociales, y así fue con este “Mandatory Fun”, apoyado hasta con 8 videos estrenados en diversos sitios los días anteriores a su lanzamiento.

¿Es todo cuestión de marketing? Por supuesto que no, es cuestión de talento, pura y simplemente, y de conectar con el público. Weird Al no es la última estrellita salida de programa de descubrimiento de talentos, él lleva más de 30 años en esto demostrando ingenio, humor y capacidad de entretener a raudales.

Yankovic empezó siendo conocido para el gran público a mediados de los 80s con su adaptación cómica del clásico de Michael Jackson “Beat It” al que rebautizó como “Eat It” en un espectacular video, pero que como en el caso de Jacko, fue con su siguiente adaptación, la de “Bad” en “Fat” cuando convirtió ese videoclip en un clásico. Ya hablé en un post anterior sobre los videoclips de “Bad”, ahora es el momento de disfrutar de este otro clásico, que no tiene nada que envidiar en cuanto a medios y a novedad a algunas de las obras de Jackson.

 

 

Fue este el primer videoclip en el cuál se conoció a Yankovic en nuestro país, aunque no tanto su nombre sino por “el tío del videoclip de Fat, la parodia de Bad”. Y de un clásico de los 80s a un clásico de los 90s, porque si arrollador fue el éxito de “Fat”, no menos lo fue su versión del himno del grunge por excelencia, ese “Smells Like Teen Spirit” convertido por obra y gracia del genio en “Smells Like Nirvana”, una absoluta genialidad que personalmente he visto muchas más veces que el video original. Todos los elementos del video de la banda de Cobain, Grohl y Novoselic están presentes pasados por el filtro del humor de Yankovic.

 

 

Su siguiente éxito fue “Amish Paradise”, una nueva parodia, en este caso del one hit wonder de Coolio “Gangsta’s Paradise”, y un video espectacular que mezcla dos películas, “Mentes Peligrosas” con Michelle Pfeiffer, en cuya banda sonora aparecía la canción de Coolio; y “Único Testigo”, la mejor descripción que se ha hecho del modo de vida de la comunidad amish.

 

 

Todos estos videoclips aparecieron recopilados en “The Ultimate Video Collection”, un muy recomendable DVD que reunía sus grandes interpretaciones hasta ese momento (fue publicado en 2003) y es el típico artefacto que yo utilizaba para amenizar las fiestas en mi casa y que con la ayuda de los subtítulos y el correspondiente alcohol, servían para convertir aquellas reuniones en un sinfín de risas y comentarios. Hoy en día todos esos vídeos se pueden encontrar en YouTube en el canal del propio “Weird Al”

Yankovic además es un artista muy polifacético, ya que la música es tan sólo una de las artes que cultiva. Así, tiene una amplia carrera como actor, normalmente en películas de humor y en las que a veces disfruta de un breve cameo en el cuál se interpreta a sí mismo, como en “Agárralo Como Puedas”, en cuya secuela, la 2 1/2, también participó. Y es que no hay nada mejor que estar viendo una película divertida y que de pronto el carismático Al aparezca en pantalla durante unos segundos o minutos haciendo de sí mismo. Además de esto, Weird Al mantiene una especial relación con otro de los mayores éxitos de la televisión, hablamos de la familia más popular de Springfield, los Simpson. Y es que además de aparecer como invitado en algún capítulo y poner voces, “Weird Al” va a estar presente en el gran evento que los creadores de los Simpson están preparando para dentro de un par de semanas en Hollywood con ocasión del 25º aniversario de la familia.

Y volvamos al principio del post, y disfrutemos una vez más con el humor de Yankovic en la reciente entrega de los premios Emmy con una segunda parte de la actuación dedicada a la serie de la que ya hemos hablado en muchas ocasiones y para mí, desde ya, una actuación que pasará a la historia de la cultura popular de nuestra época.

 

Juego de Tronos y Canción de Hielo y Fuego en la cultura popular

Una vez finalizada la cuarta temporada televisiva, y mientras los lectores esperamos con devoción a que George RR Martin se decida a publicar “Winds of Winter”, es un buen momento para analizar el impacto de Juego de Tronos y Canción de Hielo y Fuego en la cultura popular. Y es que esta saga literaria (“Canción de Hielo y Fuego”), apoyada sin duda en gran medida por la serie televisiva (titulada “Juego de Tronos”, como el primer libro) lleva camino de convertirse en un referente popular de esta época que vivimos.

“Canción de Hielo y Fuego” llevaba mucho tiempo latiendo en el underground, en foros de Internet, con esa maravilla llamada Westeros bendecida por el propio Martin, sin embargo es evidente y desde luego lógico que haya mucha gente que se haya unido al club de fans con la serie, que requiere bastante menos esfuerzo que la lectura de los larguísimos y detallistas libros del genio. España, uno de los países con mayor fanatismo por la serie ha sido “recompensada” por HBO con el rodaje de parte de la 5ª temporada, y al parecer la provincia de Sevilla se convertirá por algunas semanas en el Dorne, y ya me puedo imaginar mucho fanático de la serie cogiendo la mochila para ver de cerca el reino de los Martell y sus lanzas. Noticia que por cierto fue revelada en exclusiva y al parecer cierto desliz por parte del ex-directivo de HBO y hoy embajador de USA en España, James Costos, de quién ya hablamos en su momento en conexión con el mundo de Martin.

Pero hoy quería además hablar de algunas aportaciones notables alrededor del mundo de Juego de Tronos, más allá de las camisetas de leones de la casa Lannister o de lobos huargos de la casa Stark que uno encuentra por Madrid de forma frecuente. Así, me ha llamado la atención últimamente este video fan-made que es una delicia para los amantes de los 80s y 90s como un servidor:

 

Lo de los vídeos fan-made es algo que particularmente me encanta cuando tienen un mínimo de calidad y que ha dado lugar a muchas obras de arte, pero este se distingue además por otra cosa, y es que es una mezcla de varias cosas: la música es de un tal Steve Duzz (aquí en formato audio) y las imágenes las hizo otro tío para un video fan-made en YouTube, que lo subió con la música original de Juego de Tronos. Pero definitivamente como mejor encaja es con esa música de sintetizador ochentera y ese video de VHS con sus correspondientes rayas que había que solucionar con el botón de tracking.

Otro de los casos más claros de iniciativas fan-made es juntar de algún modo figuras populares o de diferentes ámbitos culturales entre sí, como por ejemplo en esta grandísima introducción de Juego de Tronos versión Simpsons:

 

¿Y qué decir de esta obra de arte diseñada por los chicos de WesterosCraft, es decir, los mundos de Martin vistos desde una perspectiva Minecraft? Con una música que me ha gustado bastante y que me vuelve a recordar que alguien, algún día, utilizará música de Summoning en Juego de Tronos o en cualquiera de estas series épicas.

 

Por último, y para acabar con Juego de Tronos por un tiempo, este es un impresionante video acerca de los efectos especiales que los creadores de la serie han utilizado para dar vida a esta increíble saga que seguirá dando mucho que hablar.

Paula Abdul, la reina de las coreografías… y de los concursos de talentos

Hoy es un buen día para recordar a Paula Abdul, un nombre que hoy en día sólo es reconocible para aquellos seguidores de American Idol, X Factor y programas similares para “descubrir talentos” al otro lado del Atlántico. Pero aquellos con un poco más de edad y de memoria la recordaremos siempre como una de las grandes artistas de finales de los 80s y principios de los 90s, aunque su reinado en el mundo de las listas de éxitos durara apenas un par de álbumes.

Paula comenzó su carrera artística como bailarina de los Angeles Lakers, una Laker Girl, que siempre ha sido un buen lugar para desarrollar una buena carrera profesional en el mundo artístico, gracias a todos los artistas que desde los 80s se dejan ver por el Staples Center y antiguamente por el irónico The Forum. Paula comenzó un año como bailarina y al siguiente año ya era la encargada de la coreografía, lo cuál le valió para que los Jacksons, es decir Michael y sus hermanos, pensaran en ella para dirigir la coreografía de su video “Torture” y les acompañara en la gira siguiente de su exitoso disco “Victory”.

Tras ganar fama como coreógrafo en la industria del videoclip (pensemos que se trataba de la época de los presupuestos millonarios para videoclips y que la MTV se dedicaba a… oops, pasar videoclips), fue en el año 88 cuando Paula grabó su primer disco, “Forever Your Girl”, que tardó más de un año, pero acabó llegando al número 1 de la lista del Billboard, aupado por sus exitosos singles “Cold Hearted”, “Straight Up” o “Forever Your Girl”. El secreto de Paula residía tanto en un buen puñado de canciones como sobre todo en los videoclips, donde las coreografías eran parte fundamental de los mismow.

Su álbum de remixes posterior gozó de gran éxito, preparando a Paula para su siguiente éxito, su segundo larga duración “Spellbound”. Este era un álbum algo diferente, pues aunque partía de las mismas bases musicales, pop, dance, algo de R&B y de funk, sus mayores éxitos y singles eran baladas; aún así el gran público lo compró y consiguió de nuevo auparse al número 1 del Billboard.

En 1995 Paula publicaba su tercer y último álbum hasta la fecha (cuarto si contamos el de remixes, hay varios recopilatorios más, como suele ser habitual), y bien, podemos hablar del típico caso de que su tiempo ya había pasado. A partir de ese momento Paula desapareció de la primera línea de la industrial musical aunque siguió trabajando en su especialidad, coreografías, en la industria cinematográfica, etc.

Y bien, hoy en día Paula es la típica celebrity que ha sabido reconducir su carrera hacia un área muy concreta de la industria que ha crecido mucho en los últimos años, como son los concursos de descubrimiento de talento. Sólo recuerdo estar en US hace unos años cuando anunció que se retiraba de ser jurado y fue una auténtica conmoción… ¿cómo podía seguir “American Idol” sin ella? Al final consiguieron convencerla hasta que en la novena edición las negociaciones no llegaron a buen puerto y desde entonces Paula ha estado participando como juez en otros cuantos programas de talentos tanto en USA como en UK y últimamente en Australia. Allí, la carismática Paula siempre ha demostrado que sabe cómo ayudar a los concursantes, mostrarse compasiva con ellos, y sobre todo dar mucho que hablar, pues a veces no ha aparecido en las mejores condiciones de claridad mental.

El “Troublegum” de Therapy?, un clásico de los 90

En 1994 Therapy? era uno de los grupos europeos con mejor cartel dentro del panorama de música alternativa de aquel entonces: sus primeros mini-LPs y su primer CD, “Nurse” les habían colocado en una muy buena posición para alcanzar el estrellato con su nuevo disco llamado “Troublegum”. Además, varios temas como “Screamager” o “Turn” ya habían sido promocionados en singles o EPs y todo apuntaba a bombazo de disco. Y así fue, ni más ni menos.
“Troublegum” es un álbum que ya desde el comienzo engancha al oyente, con ese inicio 1-2 fundamental como es “Knives” junto con “Screamager”, a partir de ahí es una espiral de guitarrazos, melodías pop, actitud punk, una batería muy intensa, letras oscurísimas… con “Stop It You’re Killing Me” y “Nowhere”, otros dos futuros clásicos, llegamos a un espectacular medio tiempo llamado “Die Laughing”, uno de los temas fundamentales no de este disco, sino de aquella década. La segunda mitad del álbum es si cabe más oscura, con “Femtex”, “Turn” o la versión de Joy Division de “Isolation” junto con otras más rápidas como “Trigger Inside”.

Una de las cosas que más me gusta de este disco es la producción de Chris Sheldon, haciendo que un super power-trío suene así de contundente, aunque conozco gente que piensa que está algo sobreproducido, que la batería suena fatal (a mí me encanta como suena esa batería, aunque reconozco que parece un poco lata, pero es que encaja fenomenal con esos temas) y demás quejas habituales.
Therapy? en aquella época eran estrellas en cualquier festival europeo en el que aparecieran, y de hecho llegaron a tocar en el festival de heavy metal por excelencia de la época, el Monsters of Rock, en las ediciones del 94 y del 95, este último donde salieron a tocar justo delante de Metallica y donde sufrieron el “efecto Tesla”, es decir, un grupo no heavy delante de todos los Metalli-fans esperando a sus ídolos presentar algún tema nuevo que estaban trabajando para su esperadísimo nuevo álbum “Load” (ooops)… total, que nuestros amigos de Therapy? no tuvieron mejor ocurrencia que comenzar con su versión del “Isolation” de Joy Division, lo cuál garantizó absoluto desprecio hacia el resto de su show.

Coincidencias de la vida, con “Isolation” comenzaron también su último concierto en Madrid después de más de 10 años sin pisar por aquí. Anteriormente pude disfrutar en Londres, en Noviembre de 2010, de un concierto “especial Troublegum”, donde en un show claramente dividido en dos mitades, utilizaron la primera de ellas para desgranar, en riguroso orden, el disco de marras. Aquello fue realmente emocionante: treintañeros tranquilos esperando tomando cervezas, que se volvieron locos convirtiendo el HMV Forum en un campo de batalla tan pronto sonaron los primeros acordes de “Knives”.
Therapy? nunca lograron repetir el éxito de “Troublegum” pero a día de hoy, al menos para unos cuantos fieles, compusieron uno de los grandes discos de la década y de la Historia.

30 años de Madonna

Hoy se cumplen 30 años del primer álbum de Madonna, de homónimo título, y las redes sociales ya están empezando a celebrarlo. Como no tiene sentido hablar de Madonna en términos similares a unos Life Of Agony porque a la Ciccone todo el mundo más o menos la conoce, simplemente voy a comentar algunas de las cosas que me han llamado la atención o por las que la recuerdo. Estamos hablando de una mujer que a lo largo de su carrera la recuerdo como cantante, modelo, bailarina, diseñadora, actriz de cine y me suena que también de teatro, escritora de cuentos, madre, esposa, icono de varias generaciones, agent provocateur y un largo etcétera…

A nivel musical, que creo que es lo más importante, puesto que es lo que le he dado la fama (y la pasta) para luego hacer todo lo que le he dado la gana, debo decir que ese primer álbum me parece un muy buen disco de debut, pero que mis favoritos son los siguientes: “Like A Virgin”, “True Blue”, que posiblemente es mi favorito de toda su discografía y cuya cassette llegué a quemar de tanto ponerla, “Like A Prayer”, cuyo vinilo compré el día que se puso a la venta con aquella historia de que olía a pachulí, y posteriormente le fui perdiendo la pista poco a poco. Durante la década de los 90s yo estaba demasiado ocupado con Pearl Jam, Pantera, Therapy? y Biohazard o descubriendo a Neurosis, aunque es verdad que siempre que la veía en TV (porque había programas que ponían música en la tele) mostraba videoclips innovadores, donde por cierto cada vez cambiaba de look y costaba al principio saber que se trataba de ella. Pero desde luego lo que no se podía decir de ella era que no innovaba; y a nivel musical, del pop de sus inicios iba pasando a una música cada vez más electrónica, y es que como a esta mujer siempre le ha dado todo igual y al mismo tiempo es extraordinariamente lista y supongo que está muy bien aconsejada, ha conseguido subirse a todas las olas y todas las modas, y ha salido victoriosa de o con ellas. Probablemente la cima en esta segunda (o tercera, o cuarta) etapa de su carrera llegó con “Hung Up” en 2005, y en mi caso fue en 2009 cuando la pude ver por primera vez en directo y debo decir que no me defraudó lo más mínimo.

Para acompañar esta entrada, más que los videoclips de “Material Girl”, “La Isla Bonita” o “Like A Prayer”, que son mis favoritos, he preferido algo con más historia, y es la interpretación de “Into The Groove” en el Live Aid de 1985. Madonna en aquella época no era la superestrella que sería 2-3 años más tarde y su lugar en el cartel era discreto, pero ya podemos ver alguna de las características que le permitirían triunfar: carisma sobre el escenario, una actitud de “me da todo igual” que se refleja en su vestuario superochentero (y no perdamos de vista las pintas de toda su banda) y en su coreografía, temazo al canto aunque a nivel vocal no sea una privilegiada precisamente, etc etc

Sony: la marca más cool para los amantes de la música

Hoy en día que parece que cualquier cosa que produzca Apple es sinónimo de super-ventas independientemente de cuál sea su normalmente desorbitado precio, conviene recordar a la marca reina de la electrónica de consumo en los 80s y los 90s: Sony.

Efectivamente, la marca japonesa siempre se distinguió por su capacidad de innovación y por convertirse en la reina de cualquier mercado en el que se adentraba. Posiblemente su mayor fracaso fue la apuesta por el sistema Betacam en vez de por el VHS en los reproductores de video, pero durante mucho tiempo ambos formatos convivieron y dentro de Betacam, Sony seguía siendo la referencia.

Sony además fue especialista en que su marca fuera la que denominara a la categoría entera de aparatos. Así, siempre se hablaba de un walkman para referirse al reproductor portátil de cintas de cassette, pero el Walkman de verdad era el de Sony, era el más caro del mercado y tener uno era como poseer un cacharrito con la manzana.

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Y en la década de los 90, Sony volvía a repetir la jugada y en vez de Walkman, denominaba Discman a su reproductor portátil de CDs, y la gente volvía a hablar de llevar consigo su discman, fuera o no de la marca japonesa, y el de Sony era lo mejorcito de la categoría, tener el verdadero Discman era cool

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Además de esto, Sony seguía siendo una marca absolutamente fantástica en televisores, equipos de alta fidelidad, videocámaras, ordenadores portátiles y un largo etcétera.

Para los amantes de llevarnos la música a todas partes, hubiera sido normal ver a Sony coronarse como el rey de los reproductores portátiles de mp3, pero cuando el mercado estaba todavía en desarrollo apareció Apple, hizo desaparecer para siempre el concepto discman y se coronó como el rey indiscutible de la música… y bien, ya conocemos la historia, de la música a la telefonía móvil, donde Sony también ha estado compitiendo durante bastante tiempo en compañía de Ericsson, de ahí a las tablets, donde Sony ni siquiera ha aparecido…

Es verdad que los nipones siguen siendo muy potentes en consolas con la PlayStation, en TVs, en cámaras de video, etc… pero sobre todo en temas de música portátil, yo por lo menos tengo la impresión de que dejaron pasar una buena oportunidad y le abrieron una puerta a Apple que no ha parado de expandirse por muchas de las categorías antaño dominadas por la todavía muy competitiva Sony.

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La banda sonora de una generación: “Singles”

Hay veces que una excelente película define un momento musical determinado, una escena, el momento dulce de un movimiento. En 1992 “Singles” hizo más o menos eso, pese a no tratarse, desde mi punto de vista, de una película excelente, yo la dejaría más bien en una buena y entretenida película. Pero en este caso, más que la película en sí lo que sí se convirtió en el documento de una escena fue la banda sonora de la obra de Cameron Crowe.

La trama de la película está ambientada en el Seattle de principios de los 90s, y describe lo que a nivel popular se ha denominado grunge, pese a que sus protagonistas siempre han renegado de esa denominación. Y bien, ¿qué es lo que encontramos en esta banda sonora que la convierte en extraordinaria?. Pues diría que el momento álgido de casi todas las bandas que contribuyen, y el altísimo nivel de los temas que aportan.

En primer lugar, Pearl Jam, al poco tiempo de haber publicado su primer álbum y gran obra maestra “Ten”, aportan un tema, “State of Love and Trust”, que no aparecía en el disco pero que para muchos, entre los que me incluyo, es el mejor tema de la carrera del quinteto. Soundgarden, otros en estado de gracia, destacan con “Birth Ritual”, lo mismo que la última cabeza del triunvirato de Seattle, Alice In Chains, arrasan con “Would?”, uno de los mejores temas de su carrera.

Hay además guiños a la escena pretérita de Seattle como el “Chloe Dancer/Crown of Thorns” de los ya entonces extintos Mother Love Bone, de los cuáles ya hablé anteriormente, y que dentro del altísimo nivel, también considero un auténtico himno generacional si bien, al igual que el tema de Alice In Chains, no era exclusivo para la banda sonora, a diferencia de los temas de Pearl Jam y Soundgarden, por ejemplo. Otros ilustres de Seattle son Mudhoney o Screaming Trees (ese “I Nearly Lost You”) y también hay que resaltar, ya fuera del noroeste del pacífico, el excelente par de temas que aporta el ex-lider de The Replacements Paul Westerberg, a mí particularmente “Waiting For Somebody” siempre me ha parecido espectacular. Y qué decir de la versión del “The Battle of Evermore” de Led Zeppelin a cargo de las hermanas Wilson de Heart (bajo el nombre de The Lovemongers), aprovechando que Nancy estaba casada con Crowe, y así todo quedaba en casa.

Lo dicho, documento imprescindible para entender una escena y buena película para pasar un rato.

One-hit wonders: Babylon Zoo y “Spaceman”

Con esta entrada quiero recordar aquello que llamamos one-hit wonders, es decir, artistas que tuvieron un éxito enorme con una canción en concreto y siempre serán recordados por ella. Y dentro de esta categoría tenemos a su vez dos grupos: aquellos artistas que verdaderamente tuvieron una carrera muy corta y que prácticamente se limitaron a sacar ese single y poco más, quizás un LP entero donde se encontraba ese tema, para luego desaparecer de la faz de la tierra; y un segundo grupo de artistas, que si bien han publicado más obras, son únicamente recordados por el gran público por ese tema en concreto y es el que no pueden dejar de interpretar en sus conciertos, si bien sus fans más acérrimos siempre objetarán que tienen canciones iguales o mejores a lo largo y ancho de su discografía.

Vamos pues entonces con Babylon Zoo, que tuvieron con “Spaceman”, su primer single, un espectacular éxito en 1996 como consecuencia de que Levi’s utilizó el tema en uno de sus anuncios. La fiebre Babylon Zoo se extendió no sólo por el Reino Unido de dónde provenían, sino que traspasó sus fronteras y repitió como número 1 en las listas de singles en 23 países nada menos. Ese mismo año se publicaba el álbum “The Boy with the X-Ray Eyes” que no consiguió el éxito del single y a partir de ahí la historia de siempre: un segundo álbum que pasó sin pena ni gloria y Babylon Zoo desaparecieron para siempre, dejando para la historia y para otros grupos para versionear este tema.

Sobre el video: es gracioso que en YouTube no encuentro el video original porque EMI “lo ha bloqueado en mi país por motivo de derechos de copyright”. Y estamos en 2013, señores y siguen pasando estas cosas… en fin, toca poner una actuación en directo del grupo de menor calidad, así es la vida…