Un genio del humor llamado Weird Al Yankovic

Weird_Al_Yankovic_Mandatory_Fun

Creo que después de su actuación en los premios Emmy y su número uno en las listas de éxitos del Billboard de hace unas semanas es bueno hablar de un genio del humor llamado Weird Al Yankovic.

Vamos en primer lugar con la parte del éxito musical, porque hacía más de 50 años que un álbum definido como comedia no conseguía alcanzar el puesto más alto de la lista americana de éxitos. ¿Y cómo lo ha conseguido el amigo Yankovic? Pues como se suele conseguir esta hazaña hoy en día, con una campaña de comunicación muy potente pre-lanzamiento del álbum para que la semana de su salida al mercado se corone como número uno. Y hoy en día dicha campaña de comunicación tiene que conseguir convertirse en viral en las redes sociales, y así fue con este “Mandatory Fun”, apoyado hasta con 8 videos estrenados en diversos sitios los días anteriores a su lanzamiento.

¿Es todo cuestión de marketing? Por supuesto que no, es cuestión de talento, pura y simplemente, y de conectar con el público. Weird Al no es la última estrellita salida de programa de descubrimiento de talentos, él lleva más de 30 años en esto demostrando ingenio, humor y capacidad de entretener a raudales.

Yankovic empezó siendo conocido para el gran público a mediados de los 80s con su adaptación cómica del clásico de Michael Jackson “Beat It” al que rebautizó como “Eat It” en un espectacular video, pero que como en el caso de Jacko, fue con su siguiente adaptación, la de “Bad” en “Fat” cuando convirtió ese videoclip en un clásico. Ya hablé en un post anterior sobre los videoclips de “Bad”, ahora es el momento de disfrutar de este otro clásico, que no tiene nada que envidiar en cuanto a medios y a novedad a algunas de las obras de Jackson.

 

 

Fue este el primer videoclip en el cuál se conoció a Yankovic en nuestro país, aunque no tanto su nombre sino por “el tío del videoclip de Fat, la parodia de Bad”. Y de un clásico de los 80s a un clásico de los 90s, porque si arrollador fue el éxito de “Fat”, no menos lo fue su versión del himno del grunge por excelencia, ese “Smells Like Teen Spirit” convertido por obra y gracia del genio en “Smells Like Nirvana”, una absoluta genialidad que personalmente he visto muchas más veces que el video original. Todos los elementos del video de la banda de Cobain, Grohl y Novoselic están presentes pasados por el filtro del humor de Yankovic.

 

 

Su siguiente éxito fue “Amish Paradise”, una nueva parodia, en este caso del one hit wonder de Coolio “Gangsta’s Paradise”, y un video espectacular que mezcla dos películas, “Mentes Peligrosas” con Michelle Pfeiffer, en cuya banda sonora aparecía la canción de Coolio; y “Único Testigo”, la mejor descripción que se ha hecho del modo de vida de la comunidad amish.

 

 

Todos estos videoclips aparecieron recopilados en “The Ultimate Video Collection”, un muy recomendable DVD que reunía sus grandes interpretaciones hasta ese momento (fue publicado en 2003) y es el típico artefacto que yo utilizaba para amenizar las fiestas en mi casa y que con la ayuda de los subtítulos y el correspondiente alcohol, servían para convertir aquellas reuniones en un sinfín de risas y comentarios. Hoy en día todos esos vídeos se pueden encontrar en YouTube en el canal del propio “Weird Al”

Yankovic además es un artista muy polifacético, ya que la música es tan sólo una de las artes que cultiva. Así, tiene una amplia carrera como actor, normalmente en películas de humor y en las que a veces disfruta de un breve cameo en el cuál se interpreta a sí mismo, como en “Agárralo Como Puedas”, en cuya secuela, la 2 1/2, también participó. Y es que no hay nada mejor que estar viendo una película divertida y que de pronto el carismático Al aparezca en pantalla durante unos segundos o minutos haciendo de sí mismo. Además de esto, Weird Al mantiene una especial relación con otro de los mayores éxitos de la televisión, hablamos de la familia más popular de Springfield, los Simpson. Y es que además de aparecer como invitado en algún capítulo y poner voces, “Weird Al” va a estar presente en el gran evento que los creadores de los Simpson están preparando para dentro de un par de semanas en Hollywood con ocasión del 25º aniversario de la familia.

Y volvamos al principio del post, y disfrutemos una vez más con el humor de Yankovic en la reciente entrega de los premios Emmy con una segunda parte de la actuación dedicada a la serie de la que ya hemos hablado en muchas ocasiones y para mí, desde ya, una actuación que pasará a la historia de la cultura popular de nuestra época.

 

Michael Jackson y los videoclips de los singles de “Bad”

Ya sabemos que hoy en día vivimos en la era de las restricciones presupuestarias a nivel de promoción de la música, excepto para unos pocos artistas, y que pese a contar con un canal extraordinario de promoción como YouTube, parece que por el momento el videoclip no volverá a vivir la época dorada de los 80s y 90s representados por el despegue de la MTV. Y puede que haya más cantidad de videoclips que nunca, y que los artistas puedan hacerlos a través de sus fans, pero en este caso parece que hemos pasado de calidad a cantidad. Y bien, sirva esto para introducir el álbum con uno de los mayores presupuestos en videoclips de la historia, si no el que más, hablemos de Michael Jackson y los videoclips de los singles de “Bad”.

En este repaso de los videoclips de “Bad” vamos a ir siguiendo el orden del álbum en vez del orden cronológico de los vídeos, porque curiosamente el single que Jackson, Quincy Jones y Epic eligieron como primero no lo hizo acompañado de videoclip, este honor quedó reservado al tema título del álbum.

“Bad” es una de los videoclips más conocidos de la historia, hasta tal punto que incluso la grandiosa parodia de “Weird Al” Yankovic titulado “Fat” también es un videoclip muy conocido e incluso la versión de niños es fácilmente reconocible. Recuerdo en aquella época que se anunció que el programa musical de turno de la TV española iba a estrenar el video entero, que duraba más de 18 minutos, aunque posteriormente la versión que realmente correspondía con la longitud de la canción incluida en el disco lo dejaba en algo más de 4 minutos.

 

El siguiente tema en el álbum era “The Way You Make Me Feel”, que además fue el tercer single del álbum y donde de nuevo hay una versión más larga del videoclip en el que destacaba la aparición de la modelo Tatiana Thumbtzen, con la que durante algún tiempo se rumoreó que Jackson tuvo un affair.

 

“Speed Demon” ha sido siempre uno de los temas menos conocidos de “Bad”, fue el décimo y último single promocionado y el videoclip que lo acompañaba sirvió sobre todo para promocionar la película de Jackson “Moonwalker”, donde se vio por primera vez este divertido videoclip de dibujos animados.

 

“Liberian Girl”, con su característico spoken word en swahili del comienzo sí que era una canción bastante conocida del álbum, aunque sólo fue single en Europa y Australia, y el videoclip parece un “¿Quién es Quién” del Hollywood de la época, con Iman, Whoopi Goldberg, Steven Spielberg, el promotor del boxeo Don King con su característico afro, Paula Abdul, John Travolta, Dan Akroyd y un largo etcétera.

 

“Just Good Friends”, en la que colaboraba Stevie Wonder, fue el único tema que nunca fue publicado como single ni tuvo un videoclip, con eso está todo dicho, aunque ojo, hablamos de un álbum de un nivel tal en el que no sobra ni siquiera este tema.

“Another Part of Me” sí que es otro de los puntos fuertes del álbum aunque a punto estuvo de quedarse fuera de él, y el video de acompañamiento pertenece al Bad World Tour y cualquiera puede enseguida reconocer el famoso estadio londinense de Wembley.

 

“Man in the Mirror” también es de los singles más conocidos, y una de las canciones por las que Jackson pasará a la Historia sin duda alguna. Cuarto single consecutivo en lograr el número 1 en el Billboard, su video siempre lo he visto como una continuación del famoso proyecto de Michael “We Are The World” y una temática social que Jackson continuaría explotando en videoclips posteriores.

 

“I Just Can’t Stop Loving You” curiosamente fue el primer single del álbum y el primero en lograr el número 1 en las listas, pero nunca tuvo un videoclip de acompañamiento. Este dueto con Siedah Garret, que co-escribió “Man In The Mirror”, fue también grabado en español y francés, versiones que aparecen en ediciones conmemorativas de “Bad”.

“Dirty Diana” es uno de mis temas favoritos de Jackson, si no el que más, demostrando que el Rey de Pop también se podía acercar al rock duro si lo consideraba apropiado, y con un video donde cobraba protagonismo la guitarrista Jennifer Baten, cuya fama subiría como la espuma a raíz de este video y como guitarra solista de las giras de Jackson. Fue además el 5º single y el último en conseguir auparse al nº1 del Billboard.

 

“Smooth Criminal” también es un video muy largo en su versión entera porque está sacado también de “Moonwalker”, y es otro de los vídeos que ha pasado a la historia por su coreografía, donde Jackson dejaba claro que además de excelente cantante era un consumado bailarín.

 

“Leave Me Alone” es un tema tardío de “Bad” porque no aparecía en las ediciones originales en vinilo y cassette del álbum, aunque sí en el compact-disc, formato que en aquella época se estaba lanzando y cuyos precios eran muy superiores a los anteriores soportes mencionados. Este era otro de los vídeos incluidos en “Moonwalker” por primera vez y curiosamente el único país en que el single fue número uno fue en España

 

En resumen, un álbum con 10 singles y 9 videoclips, una auténtica demostración de poderío musical y de marketing, y que conforma una de las grandes obras de la Historia de la Música.

La banda sonora de Judgement Night: la perfecta fusión de rock y rap

Aprovechando que Biohazard estuvieron cerrando el Resurrection Fest de 2013 y Slayer fueron uno de los cabezas de cartel del evento, volvamos la vista atrás nada menos que 20 años, a la banda sonora de la película “Judgement Night”, en la que ambas bandas participaban.
La verdad es que la película no pasaría a la historia, pese al reparto conocido (Emilio Estevez y Cuba Gooding Jr. entre ellos) pero la banda sonora, cuyos 11 temas consistían en colaboraciones entre bandas de rock alternativo o metal, y grupos de hip-hop, sí lo haría. Hay que tener en cuenta el contexto de hace 20 años, y es que Rage Against The Machine acababan de publicar su explosivo primer álbum basado en una fusión de metal y rap, mientras otros grupos como los propios Biohazard empezaban a despegar en la otra costa, con una mezcla similar que incluía también hardcore neoyorquino marca de su casa Brooklyn. Al mismo tiempo, en Europa bandas como Clawfinger y Senser empezaban a coger esa misma estela y no faltaban en ningún festival europeo.
Recordemos que todo había empezado unos años antes cuando a Aerosmith y Run DMC les dio por juntarse y hacer una versión del “Walk this Way” de los de Boston, y siguió en la Gran Manzana con Anthrax y Public Enemy con ese espectacular “Bring the Noise”, ambos temas piedras angulares del género, y en las que se inspiraron los productores y todas las bandas a la hora de componer y grabar sus temas.
Así, el álbum comienza muy fuerte con Helmet y House of Pain con “Just Another Victim” que aún hoy en día Helmet interpretan con asiduidad en sus conciertos, y deja bien clara la tónica del álbum. Faith No More y los enormes samoanos de Boo-Ya Tribe con “Another Body Murdered” son otros de los triunfadores del álbum, con Patton y los suyos en estado de gracia como era normal en aquella época. Mientras, el tema título quedaba para otros tipos peligrosos, probablemente los más peligrosos, como Onyx y Biohazard, directos desde Brooklyn, y es probablemente el mejor momento del álbum. 

Ice-T y Slayer se marcan 3 canciones de The Exploited en plan medley, lo que vendría a ser Body Count pero con King, Hanneman y compañía dando rienda suelta a su vena punk que posteriormente explotarían en su álbum del 95, “Divine Intervention”. Los fumetas de Cypress Hill hacen “Mary Jane” a su bola sin que nadie se entere de que por allí estén Sonic Youth, y De La Soul y Teenage Fan Club nos dejan un tema chulo aunque tranquilo como es “Fallin'”. Therapy? se marcan un oscurísimo “Come and Die” con unos tales Fatal, y Living Colour acompañan bien un tema 100% Run-DMC. Mudhoney Pearl Jam, dos de los máximos exponentes de la cultura alternativa de Seattle complementan más que otra cosa a Cypress Hill de nuevo, y a Sir-Mix-A-Lot y Dinosaur Jr se dejan caer sin mayor relevancia.

A partir de aquí vendrían muchas más colaboraciones entre bandas de hip hop y rock, muchísimos grupos influenciados de una y otra forma por esta fusión, pero si alguna vez queremos volver a las fuentes originales no hay más que buscar esta joya.

One-hit wonders: Limahl y “Neverending Story”

Vuelvo hoy al tema de los one-hit wonders, que comencé unas cuantas entradas atrás, con uno de los mayores éxitos de la música de los ochenta: Limahl y su “Neverending Story”.

He pensado en hacer esta entrada por dos razones: primero porque hace poco una compañera de trabajo, más jovencita ella, me comentó “me han regalado este libro llamado “La Historia Interminable” que va de esto…” y otro compañero y yo saltamos con “¡ese libro es un clásico entre los que crecimos en los 80, no necesita presentación!!!” y le pregunté si conocía la canción… así de primeras no, pero bueno, tampoco de primeras conocía el “The Final Countdown” de Europe; la segunda razón es más simple, y es que hoy estaban dando en la televisión la película, otro exitazo, en este caso de taquilla, y he pensado “pues hagamos una entrada de un one-hit wonder clarísimo”.

Así pues al señor Limahl siempre le recordaremos por el tema central de la banda sonora de “La Historia Interminable” y también por ese peinado absolutamente ochentero, que hoy en día… bueno, pues eso. Limahl era el cantante de un grupo ochentero británico llamado Kajagoogoo, al cuál también podríamos considerar unos one-hit wonders de la vida si alguien es capaz de nombrar otra canción que no sea “Too Shy”, pero sería su antiguo líder, al que por cierto despidieron por teléfono, el que alcanzaría el éxito masivo merced a la ganadora combinación libro-película-canción.

El tema lo tenía todo para ser un éxito: primero el libro de Michael Ende había sido un superventas el año anterior, y aunque la película fue una pequeña decepción en términos de taquilla, traía suficiente inercia para hacer triunfar a la banda sonora, a cargo de Giorgio Moroder principalmente. Para la historia quedarán los personajes de Bastian, Atreyu (con cierto grupo de metalcore nombrado tras él) o el dragón Fújur.

Curiosamente este es un tema que no llegó al número uno de las listas de éxitos ni de su natal UK ni de USA, pero sí que ha quedado como una clásico absoluto de los 80s, y es una canción que cada cierto tiempo vuelve a estar de actualidad bien en una nueva versión, bien porque el propio Limahl reaparece cada cierto tiempo con o sin Kajagoogoo… en fin, el tipo de cosas que trae consigo ser un one-hit wonder. 

Festival musical de cine online

Ok, parece que el título de la entrada pueda llevar a confusión, pero esta mañana he leído en El Confidencial sobre esta iniciativa llamada Filmin Music Festival y no he podido resistirme. Al principio he pensado que merecería la pena ver la película “Auto” de la que hablaban, pues parece que trata sobre los temas relacionados con la industria musical que me interesan y que voy comentando por aquí. No es que Vetusta Morla o Jero Romero de los Sunday Drivers me interesen demasiado musicalmente, pero quizás sí lo que tienen que contar.

La verdad es que lo siguiente que he pensado ha sido “luego me la bajo”, pero luego he leído la iniciativa del Filmin Music Festival y he visto lo que me ofrecían: nada menos que 37 películas para ver en 30 días (y eso que como no me he enterado hasta hoy, ya voy tarde jeje) relacionadas con la música y categorizadas en modo festival. “Auto” es una de las cuatro que sólo están disponibles aquí como estrenos exclusivos, pero he echado un vistazo a las demás y: Ramones… bien, por supuesto; George Harrison… mmmm, seguro que a mi mujer le interesa; Standstill… les tengo la pista perdidísima desde que eran un grupo de post-hardcore, pero seguro que es interesante; una peli sobre el colgado de Genesis P-Orridge… me puedo esperar cualquier cosa; el “Some Kind of Monster” de Metallica… perezón que ni lo compré a 5 libras, pero venga… total a pagar… 7€. Por el precio de una copa de garrafa en Madrid tengo una peli todas las noches de aquí al 15 de Agosto, y además estoy apoyando este tipo de iniciativas, que son el futuro del cine. ¿Y lo mejor? Nada de tonterías de complicadas subscripciones ni de abonos anuales, ¿lo quieres? ¡pues ahí lo tienes!, y a un precio que anima a pagar… ¡¡¡una hora de mi tiempo vale mucho más que esos 7€!!!

Ya comentaré más adelante qué tal ha ido todo, por ahora el único pero es que no me he podido registrar con la cuenta de Facebook y he tenido que hacerlo en Filmin, no es grave. Veremos también cómo es el tema de las versiones originales y los subtítulos, que la de los Ramones parece sólo disponible en versión original con subtítulos sin posibilidad de quitar estos… seguiremos informando desde el festi.

La banda sonora de la cultura gótica: El Cuervo

Después de revisar “Singles”, hoy vamos con otra fabulosa banda sonora que nos deparó la primera mitad de los 90, hablo de “El Cuervo”. La película la verdad es que ha acabado conviertiéndose en un film de culto, particularmente entre diversos colectivos y tribus urbanas góticas, y para el gran público es sobre todo conocida por la muerte durante el rodaje de su protagonista Brandon Lee, el hijo del maestro de las artes marciales en el séptimo arte, Bruce Lee.
La muerte de su protagonista supuso la mejor acción de marketing para la película, que escaló al primer puesto del box-office el fin de semana de su estreno, y puede que en cierta parte ayudara a popularizar la música que la acompañaba.
De todas formas la banda sonora es una maravilla en sí misma: The Cure aportan uno de los mejores temas de su carrera con la inédita “Burn”, que se convierte en el himno oficial de la película, y Nine Inch Nails hacen una buenísima versión del “Dead Souls” de Joy Division; la oscuridad y el ambiente gótico de ambos temas ya de por sí justifican la escucha de esta recopilación, si bien a nivel comercial es “Big Empty” de Stone Temple Pilots, ganadora de un Grammy, la más destacada. Para mi gusto un temazo, pero creo que los temas de los Cure y NIN encajan mucho mejor con la atmósfera tan gótica y en cierto modo industrial de la película.

La de Nine Inch Nails no es la única versión del álbum, puesto que Pantera se atreven con “The Badge” de los desfasadísimos punk-rockers de Portland, Poison Idea, y Henry Rollins hace lo propio con “Ghost Rider” de los neoyorquinos de la no wave, Suicide.
Además, los poderosos Helmet aportan Milquetoast, un temazo de su seminal álbum “Betty” y Rage Against The Machine, otro nombre absolutamente fundamental en aquellos años, estaban presentes con “Darkness”, un tema que regrabaron para la banda sonara y que aparecía en su demo, aunque no había formado parte de su famosísimo álbum debut. Otras formaciones como Violent Femmes o The Jesus And Mary Chain aportan buenos temas, siendo los más flojos para mi gusto My Life With The Thrill Kill Kult (unos imitadores de Ministry) y Machines Of Loving Grace, otro grupo industrial a lo NIN.

Así pues, una banda sonora de música bastante oscura y alternativa o metálica, que conjuga muy bien grandísimos éxitos con curiosidades, versiones y canciones menos populares pero de calidad. Como me costaba decidir qué video poner, si el de los Cure o el de mis adorados Helmet, pues tocan los dos 😉

Summoning: la verdadera música de El Señor de los Anillos

No somos pocos los que habiendo disfrutado enormemente la saga de El Señor de los Anillos, siempre hemos pensado que la banda sonora debería incluir música más dura y épica. Evidentemente para el oyente casual de rock duro unos AC/DC a cañonazo limpio del “For Those About to Rock” podrían cumplir sobradamente. Mucho más épicos resultarían Manowar, con por ejemplo su “Warriors of the world”.

Pero en el underground metálico y concretamente dentro del black metal es donde encontramos bandas que respiran y viven el legado de la Tierra Media. Y dentro de ellas sin duda la más reconocida y respetada, la más auténtica y también la más copiada es Summoning.

Este duo austriaco llevan alrededor de 20 años años produciendo música épica cuyas fronteras hace tiempo que transcendieron al black metal de sus comienzos, y es que estos tíos han creado su propio sub-estilo, que es lo mejor que se puede decir de un grupo. Y bien, ¿cuál es ese estilo? Summoning están basados en partes orquestales, con baterías electrónicas, donde las guitarras no juegan un papel predominante sino que se mantienen en un segundo plano, y donde las voces son mayoritariamente bastante rasgadas, aunque en determinadas áreas incluyen pasajes hablados y voces limpias. La temática de sus letras está casi desde el principio de su carrera basada en torno a la literatura de Tolkien, con títulos de álbumes como “Dol Goldur” o “Minas Morgul” y canciones como “Caradhras” o “Bauglir”. Todo ello conforma una música absolutamente majestuosa y cinematográfica si imaginamos a miles de orcos atacando en el Abismo de Helm.

Y luego encontramos además la leyenda del grupo: no han tocado nunca en directo ni tienen intención de hacerlo, la información sobre ellos en la red es más bien escasa, al igual que las fotografías de sus miembros, y todo ello ha contribuido a incrementar su leyenda, que empieza a no ser tan underground; más de 7 millones de escuchas en lastfm (y la duración media de las canciones puede ser fácil de 8 minutos), 73.000 reproducciones del mini-trailer sobre su reciente álbum que su discográfica colgó en YouTube, multitud de vídeos fan-made en la propia YouTube y multitud de seguidores en redes sociales de todas partes del mundo.

Peter Jackson, ¡¡¡habemus artista para futuras bandas sonoras!!!

La banda sonora de una generación: “Singles”

Hay veces que una excelente película define un momento musical determinado, una escena, el momento dulce de un movimiento. En 1992 “Singles” hizo más o menos eso, pese a no tratarse, desde mi punto de vista, de una película excelente, yo la dejaría más bien en una buena y entretenida película. Pero en este caso, más que la película en sí lo que sí se convirtió en el documento de una escena fue la banda sonora de la obra de Cameron Crowe.

La trama de la película está ambientada en el Seattle de principios de los 90s, y describe lo que a nivel popular se ha denominado grunge, pese a que sus protagonistas siempre han renegado de esa denominación. Y bien, ¿qué es lo que encontramos en esta banda sonora que la convierte en extraordinaria?. Pues diría que el momento álgido de casi todas las bandas que contribuyen, y el altísimo nivel de los temas que aportan.

En primer lugar, Pearl Jam, al poco tiempo de haber publicado su primer álbum y gran obra maestra “Ten”, aportan un tema, “State of Love and Trust”, que no aparecía en el disco pero que para muchos, entre los que me incluyo, es el mejor tema de la carrera del quinteto. Soundgarden, otros en estado de gracia, destacan con “Birth Ritual”, lo mismo que la última cabeza del triunvirato de Seattle, Alice In Chains, arrasan con “Would?”, uno de los mejores temas de su carrera.

Hay además guiños a la escena pretérita de Seattle como el “Chloe Dancer/Crown of Thorns” de los ya entonces extintos Mother Love Bone, de los cuáles ya hablé anteriormente, y que dentro del altísimo nivel, también considero un auténtico himno generacional si bien, al igual que el tema de Alice In Chains, no era exclusivo para la banda sonora, a diferencia de los temas de Pearl Jam y Soundgarden, por ejemplo. Otros ilustres de Seattle son Mudhoney o Screaming Trees (ese “I Nearly Lost You”) y también hay que resaltar, ya fuera del noroeste del pacífico, el excelente par de temas que aporta el ex-lider de The Replacements Paul Westerberg, a mí particularmente “Waiting For Somebody” siempre me ha parecido espectacular. Y qué decir de la versión del “The Battle of Evermore” de Led Zeppelin a cargo de las hermanas Wilson de Heart (bajo el nombre de The Lovemongers), aprovechando que Nancy estaba casada con Crowe, y así todo quedaba en casa.

Lo dicho, documento imprescindible para entender una escena y buena película para pasar un rato.