El post-punk español, en estado de gracia

Post-Punk Español

 

Que el post-punk está resurgiendo de sus cenizas es algo que a nadie se le escapa, con grupos como Editors o Interpol desde hace ya bastante tiempo establecidos firmemente en lo más alto de la escena independiente mundial. Pero como siempre, no quiero hablar de la parte más comercial y pequeña del iceberg, sino porque dentro de este fenómeno hay grupos interesantes surgiendo de debajo de las piedras todos los meses y publicando temas y ábumes en sus bandcamps que harían feliz a Ian Curtis. Y este es un movimiento mundial apoyado por sellos como los europeos Swiss Dark Nights o Manic Depression, con un gran número de festivales programando grupos de estos estilos, bien dentro de la escena gótica o de la escena indie. Para los recién llegados, y aún a costa de simplificar demasiado, digamos que el post-punk es el hijo bastardo del punk del 77 y posteriores, y el gótico. Su mayor exponente y grupo de cabecera son sin duda los Joy Division del mencionado Curtis.

Pero más que repasar la escena internacional, donde encontramos grupos buenísimos desde París a Portland pasando por Berlín, hoy nos vamos a centrar en grupos españoles. En nuestro país existe una buena tradición de grupos de post-punk, y estas bandas que han aparecido en los últimos 3-4 años son los herederos, más de 30 años después, de aquella cara B de la movida madrileña y del pop español. Precisamente de los madrileños October People ya hablamos en su momento, y tras su increíble primer disco publicaron un también buenísimo segundo larga duración, que han estado defendiendo en directo, bien en solitario o abriendo para artistas internacionales como The Chameleons.

De todas las formas que puede adoptar el post-punk los barceloneses Belgrado son para mi gusto la versión más punk y DIY (“do it yourself”) de todos estos nuevos actores, tanto por la música como por actitud, y como particularidad podemos comentar que al ser su cantante, Patrycja, polaca, canta en un buen número de temas en su lengua materna, junto con inglés y castellano, lo cuál les da un cierto toque exótico, aunque siendo el post-punk un movimiento tan global la verdad es que hay muchísimos grupos cantando en su lengua materna y no necesariamente en inglés, como ocurre con su antecesor el punk. Belgrado acaban de publicar su nuevo álbum “Obraz” y son sin duda nuestro grupo más internacional; como ejemplo se van a embarcar en una gira por USA y México en Agosto y otra por Japón en Septiembre, pero curiosamente, o quizás es que se me haya pasado, no se dan una vuelta por Madrid desde hace una buena temporada.

 

 

Antiguo Régimen, desde Valencia, herederos de la gran tradición de la música ochentera de la ciudad, tienen un sonido menos agresivo y mucho más de pop-rock elegante y oscuro. Acaban también de publicar su segundo larga duración, titulado “Naturaleza Fractal”, que debería ser un referente no sólo a nivel nacional sino también global, y por lo que les sigo, sí que tengo ciertas esperanzas de verles defender su propuesta en directo en breve. Como en la mayoría de los casos, el formato físico favorito para publicar sus temas es el vinilo, seguido del cassette, y apenas hay ediciones en CD de estos grupo; y por supuesto, para el digital, ese gran invento llamado Bandcamp.

 

 

Por último, he dejado para el final a Ciudad Lineal, también barceloneses, que están de actualidad porque desgraciadamente han decidido separarse, tras publicar un disco espectacular como es “El Nuevo Hombre” hace poco más de un año. En este caso hablamos del grupo más electrónico de los tres, que encaja perfectamente en el estilo sintético, frío y mecánico asociado a la coldwave, y que podemos ver perfectamente reflejado en el video de esta canción, que desde que  lo escuché por primera vez me pareció un temazo espectacular. Paisajes post-industriales en blanco y negro con una temática similarmente definida, y que para mi gusto podía haber triunfado en toda Europa, y de hecho, como suele ser habitual en estos grupos, se movían más allende que dentro de nuestras fronteras.

 

 

Como siempre, esto no pretende ser un estudio en profundidad del movimiento, yo simplemente escribo sobre lo que escucho y me gusta, estoy seguro que en cada ciudad español hay un grupo de gente, elaborando su música más o menos oscura y formando parte de este movimiento que no conoce fronteras, y que gracias a la tecnología de la que disfrutamos hoy en día, hace que grupos con relativamente poca exposición a nivel nacional, sean muy conocidos y respetados fuera.

Digipack vs caja de plástico

Digipack vs caja de plástico

 

Desde hace un tiempo se viene librando una curiosa discusión entre los ya pocos consumidores que quedamos del formato CD, relativa a las preferencias sobre el envoltorio del CD: el digipack de cartón, en sus diversas variantes, y la caja de plástico de toda la vida (en inglés jewel case); y en este caso debo reconocer que me encuentro claramente posicionado a favor de uno de ellos, y de forma muy entusiasta y evidente.

Remontémonos a los primeros tiempos del compact disc, allá por la segunda mitad de los 80: esta era una tecnología y un formato que prometía lo mejor de lo mejor, empezado por el propio disco, una única cara con lo cuál no había que levantarse a “pinchar” la otra cara; la que siempre se consideró la principal ventaja durante mucho tiempo, sonido digital vs analógico; al mismo tiempo se aseguraba que el disco podía escucharse todas las veces que se quisiera sin que sufriera desgaste o que duraría para siempre, algo que ha sido matizado posteriormente en muchas ocasiones; había otra ventaja obvia, que era el número de minutos de música que se podía llegar a insertar en el disco, inicialmente unos 77 minutos, posteriormente yo creo que he visto algún CD hasta con 79 y puede que 80; y por último, un formato mucho más pequeño y manejable que un vinilo, cuya ventaja disfrutaban por igual consumidores y tiendas.

Estos primeros CDs siempre vinieron en su formato original con su caja de plástico estándar y sus libretos, que normalmente permitían incorporar más información, mejores fotos, las letras de las canciones, etc que el vinilo. La ventaja venía en gran medida para las tiendas, que necesitaba mucho menos espacio para cada CD que para cada LP, y ya sabemos a cuánto se cotiza el metro cuadrado de espacio comercial. Al fin y al cabo al principio tenía sentido esa estandarización, porque todo era novedoso y casi que la caja era lo de menos.

Con el tiempo llegó el digipack, es decir, en vez de la caja de plástico de siempre, el CD se empezó a vender en una caja de cartón con su bandeja para insertar el CD muy similar a la de la caja de plástico. Y a partir de ahí el digipack fue creciendo tanto en número como en variedad, pues sí al principio éste también era bastante homogéneo, con el tiempo se fueron desarrollando diferentes tipos de digipacks: el clásico, que es el que mantiene la bandeja para insertar los CDs; el digifile, que permite insertar el CD dentro de una apertura en el interior del panel; el digisleeve, donde el CD en realidad va dentro del propio panel y es el más similar a la carpeta de vinilo; el digibook, mucho más gordo y de varios paneles; el A-5, un digipack mucho más grande, tamaño casi de DVD, el eco-wallet y un largo etcétera.

 

Digipack vs caja de plástico

 

¿Cuáles son las ventajas del digipack?

En primer lugar, es mucho más ecológico. Frente a la caja de plástico tradicional, que produce unas cantidades de desperdicio de plástico enormes, el digipack es en sí mismo un producto del reciclaje.

La diferenciación: en una caja de plástico la única diferencia está en la portada y si acaso la contraportada. Un digipack permite incluir muchas más imágenes fuera de lo que es el libreto, normalmente como parte del artwork del álbum, permite de todas formas incluir el mismo libreto si así lo deseamos, o bien permite colocar toda la info en los paneles. Igual que el vinilo evolucionó hacia las carpetas dobles y formatos más trabajados, el digipack es lo más parecido, y permite gran cantidad de diseños y en definitiva crear obras más o menos únicas.

Hoy en día ya hay gran cantidad de discográficas que ya prácticamente no usan la caja de plástico, entre ellas varias de mis favoritas, como Prophecy, que ha elevado el envoltorio a la categoría de arte y ha creado una nueva forma de comprar música con sus numerosas ediciones limitadas y lo que podríamos denominar como la evolución definitiva del digipack, el artbook; Deathwish, el sello de Jacob Bannon, cantante de Converge, apenas utiliza caja de plástico; y luego está el caso de Avantgarde, sello milanés de Roberto Mammarella, conocido por su grupo Monumentum y ese gran clásico de álbum titulado “In Absentia Christi”, que está popularizando el A-5 y donde hace unos meses me contaba en su tienda que los grupos que ficha no le piden digipack, eso se sobrentiende, sino que le piden directamente que les publique en A-5. Además, desde hace algún tiempo el diferencial de precio entre uno y otro se ha reducido enormemente (solía ser bastante más caro el digipack, de ahí normalmente su precio más alto), con lo que todavía está menos justificado no utilizarlo.

El menor peso: especialmente digipacks tradicionales, digifiles y digisleeves, con un libreto de acompañamiento de un número de páginas estándar, tiene un peso sensiblemente inferior al CD metido dentro de la caja de plástico. Y esto no es un tema banal, por una razón: las tarifas postales. Más allá de las tarifas planas de Amazon, y por supuesto pensando en grupos pequeños, que en muchos casos venden a través de su Bandcamp; o en distribuidoras pequeñas con unas pocas referencias, el peso importa y mucho. En España, la diferencia entre enviar al extranjero un CD en su digipack de 90 gramos o un CD en su caja de plástico, unos 130 gramos, es la diferencia entre pagar 2 euros o pagar 6. Así que para los grupos que piensan en exportar, al menos en España con esa línea roja de los 100 gramos, está claro cuál debería ser su elección.

Frente a ellas, ¿cuáles son las ventajas de la caja de plástico?

La estandarización, tanto a nivel de colocarse en esas maravillosas estanterías de Ikea, como a nivel de sustitución. Los defensores de la caja de plástico siempre argumentan que de esa forma, caja rota, caja repuesta.

La resistencia de la caja frente al mucho más frágil digipack, que enseguida muestra evidentes signos de uso, sin hablar de manchas, que se moje, etc. Esto obviamente es cierto, pero no es menos cierto que no tiene ningún sentido tener los digipacks sin protección cuando puedes conseguir 100, 200 ó 500 fundas protectoras a un precio irrisorio traídas de China, o bien gastarte un dinero interesante y comprar fundas japonesas de coleccionista a 1€ la funda. Como vemos, hay opciones para todos los bolsillos

Veredicto: el digipack gana por goleada. Sinceramente no entiendo cómo en 2016 se siguen publicando los CDs en cajas de plástico. Por favor, que los sellos discográficos entiendan que hoy en día el que compra CDs lo hace por coleccionismo, la música está disponible en muchos otros lugares más que en el CD. Hay que crear productos únicos que hagan que el comprador vea el beneficio de poseer algo diferencial. En mi caso, hace ya muchos muchos años, que sobre todo por razones de espacio, guardo mis CDs en álbumes o carpetas, y desecho todas las cajas de plástico, que suelen apreciar mis amigos. Y tengo que reconocer que hoy en día no hay nada que me motive menos a la hora de comprar un CD que saber que es caja de plástico, y así pasa, que a menos que sean ediciones cortas, tiendo a dejarlos pasar en favor de ediciones limitadas en digipack.

 

Digipack vs caja de plástico

Maxi-Pop: Angelic Upstarts “Solidarity”

Angelic Upstarts Solidarity

 

Para el oyente casual o accidental, los Maxi-Pop han podido ser considerados recopilaciones de música electrónica en sus más diversos estilos de finales de los 80 y primera mitad de los 90, cuando para mí Maxi-Pop es sinónimo de música independiente de calidad y como tal, podemos encontrar también estilos como el pop, el rock e incluso el punk; y en este último estilo es donde entran en escena Angelic Upstarts y su himno “Solidarity”.

Angelic Upstarts comenzaron, ¡cómo no!, en el año 77 en Inglaterra, luego nadie les puede discutir su pedigrí de pioneros del punk, y en concreto fueron uno de los primeros grupos en desarrollar un sub-estilo como es el oi! al tiempo que estéticamente se identificaban como skinheads, entendiendo como tal el movimiento original, no en la broma en la que ha acabado convertido a ambos extremos, y eso sin entrar en los estadios de fútbol.

Angelic Upstarts han sido siempre unos punks de clase obrera, skinheads y anti-fascistas, pero a diferencia de otros contemporáneos, más reivindicativos y menos nihilistas. En el año 1983 el Reino Unido pasaba por la reconversión industrial promovida por el gobierno de Margaret Thatcher, pero el tema atemporal por el que siempre serán recordados no trata sobre el movimiento sindical inglés, sino que mira más allá del Telón de Acero, hacia Polonia. Ese “Solidarity” se puede entender como solidaridad hacia los trabajadores polacos, que precisamente unos años antes habían conseguido fundar el primer sindicato en el área de influencia de la URSS, que precisamente se llamaba Solidaridad, “Solidarity” en inglés.

La portada del single, publicado en aquel año 83, presenta la bandera de Polonia junto a un tanque en el extremo inferior derecho de la misma, y el video combina imágenes de los integrantes del grupo junto con material informativo de la época, donde se ve a los miembros de Solidaridad manifestándose, liderados por el carismático Lech Walesa. Seamos sinceros, no es un tema punk al uso, es mucho más pausado e intenso, pero precisamente la definición de himno le viene como anillo al dedo, con una letra y sobre todo un estribillo genial para corear con un grupo de amigos tomando unas cervezas en tu pub favorito; o bien, como es costumbre en los Maxi-Pop, cerrando alguna sesión a últimas horas de la madrugada y con el penúltimo cubata en la mano.

Angelic Upstarts siguen hoy en día en pie, dando guerra, girando por el Reino Unido, por el resto de Europa y por USA, ahí donde les llamen, y no es extraño verles en la parte alta del cartel de muchos festivales centrados en el punk, el oi!, etc. y que sigan así por mucho tiempo.

 

El regreso de Guns N’ Roses y la tecnología

Guns N Roses Troubadour

 

A estas alturas todo aquel que alguna vez compró el “Appetite for Destruction”, muy posiblemente el mejor disco de debut de la historia de la música, sabe que tres quintas partes de los Guns N’ Roses originales, la última gran banda de hard rock capaz de llenar estadios, han vuelto. Y más que centrarnos en si faltan Izzy o Steven Adler, en hablar sobre los conciertos sentado de Axl o en su aventura paralela con AC/DC, vamos a examinar la vuelta desde el punto de vista tecnológico, que para eso este es un blog donde música y tecnología confluyen.

Empecemos, como no podía ser de otra manera, por el principio. A principios de 2016 Guns N’ Roses confirman para verano su gira “Not In This Lifetime Tour” por Estados Unidos y comienza la histeria, las quinielas sobre si la reunión es de los cinco miembros originales o sólo algunos de ellos. Izzy, pese a haber tocado con los AxlRoses de los últimos años en alguna ocasión, enseguida se desmarca de la reunión; y tanto Steven Adler como el que fuera su sustituto Matt Sorum no terminan de confirmar si alguno de ellos se situará detrás de la batería.

Los primeros conciertos, anunciados como “de calentamiento” tendrán lugar en Las Vegas en Abril y los precios van de los 79,50$ a los 350$ por entradas “normales” y de 649$ a 2.500$ las entradas VIP… y todas ellas se agotan en cuestión de unos pocos días. También anuncia la banda que formará parte del cartel del festival del moderneo por naturaleza, Coachella, ese evento donde la gente va a publicar sus modelitos en Instagram mientras toca algún grupo que ni conoce ni le interesa.

Pero el plato fuerte llega el 31 de Marzo, cuando los rumores que circulaban sobre un posible concierto “sorpresa” de GN’R al día siguiente en el Troubadour de Los Angeles, uno de los locales de Sunset Strip que les vio nacer, finalmente se confirman. Twitter se pone en marcha y en pocos minutos ya hay docenas de personas haciendo cola en la antigua tienda de Tower Records, mítica cadena de tiendas de discos para la que en su momento trabajaron tanto Slash como Axl, y que hoy en día es un showroom de la marca de guitarras Gibson. El concierto del Troubadour y los tickets en Tower Records a 10$ se viralizan en Twitter, y alguna entrada llega a ser ofrecida en sitios web de reventa de entradas a precios desorbitantes, pese a que son pulseras (una por persona de la cola) y no se pueden quitar de la muñeca sin romperlas.

Finalmente llega el día 1 de Abril (Día de los Inocentes en USA) y pasadas las 12 de la noche (se había advertido que saldrían en algún momento después de las 23h, que ya conocemos cómo las gasta Axl con los horarios) la banda sale a escena. A los afortunados que han conseguido sus boletos en la cola de Tower se les han unido toda la pléyade de famosos, top models y rockstars habituales de estos saraos en la Ciudad de los Ángeles. A esa hora (9 de la mañana de domingo en España) Twitter echa humo y GNR son trending topic en España. Comienzan a llegar las primeras fotos del show a Twitter y a Facebook, pese a que teóricamente no se puede entrar con móviles, cámaras, etc… pero ya sabemos que intentar controlar la tecnología es ponerle puertas al campos hoy en día. También se empieza a filtrar el repertorio que están interpretando, y al poco tiempo de terminar el concierto se puede ver completo en Setlist.fm
Y claro, en cuanto saltan al escenario queda clara cuál es la formación para este concierto, con Richard Fortus a la guitarra y Frank Ferrer a la batería, acompañando a Dizzy Reed a los teclados y una señorita desconocida tocando más teclados, que enseguida es identificada como Melissa Reese. Todos ellos acompañando por supuesto al trío original de Axl, Slash y Duff.

 

 

El siguiente concierto, el primero en Las Vegas, es todavías más tecnológicamente avanzado: las fotos y los videos se suceden, pero el gran protagonista, además de un Axl sentado como consecuencia de una caída en el anterior concierto, es Periscope. El concierto es retransmitido en directo por varios usuarios de la red social perteneciente a Twitter, y así, y gracias de nuevo a la diferencia horario con Europa, se puede ver el regreso por todo lo alto de los Guns a primera hora de la mañana. ¿Significa esto que Periscope va a arruinar los conciertos de GNR o de cualquier otra banda en el futuro como más de un agorero ha empezado a pronosticar? Para nada, porque lo que sirve es como una maravillosa herramienta de promoción para la banda, y mucha gente que mira el concierto en el formato vertical clásico de Periscope, con una imagen y sonidos semi-decentes, lo que están deseando es que esa misma banda confirme un concierto en su ciudad para poder disfrutar de esa misma experiencia en vivo.

Es increíble asimismo lo de setlist.fm actualizándose en tiempo real, gente en el propio estadio o siguiendo cualquier retransmisión en directo (quién dice Periscope dice Facebook live o cualquier otra app de live streaming), y por supuesto cientos de personas en todas partes del mundo tuiteando sobre cualquier aspecto del concierto: el trono de Axl, el repertorio, que si es la primera vez que Slash toca algún tema del “Chinese Democracy”, y así un largo etcétera; no nos equivoquemos: publicidad gratuita para la banda, que a estas alturas estoy seguro que cuenta con un potentísimo equipo de social media detrás encargados de avivar, y por supuesto monitorizar y analizar esta actividad.

Por fin llega Coachella y el pequeño genio llamado Angus Young se sube al escenario con Guns N’ Roses confirmando lo que ya es un hecho, que Axl estará con ellos en la gira europea, antes de comenzar la gira americana de GNR. Gira americana por estadios que comenzó en Detroit, con Alice in Chains de teloneros, y que ha sido catalogada por Live Nation como un gran éxito, pese a que algunos agoreros se quejen de que GNR no son capaces de llenar en Kansas City, Missouri un miércoles por la noche a más de 100$ de media el boleto. Y casi cada noche y cada día se suceden las noticias respecto a los Guns: el 6 de Julio Steven Adler por fin se sube con ellos de nuevo al escenario para tocar un par de temas en Cincinnati; Guns N’ Roses han confirmado tour por Latinoamérica para el otoño, lo cuál significa que Europa definitivamente queda para 2017 (así nos da tiempo a ahorrar); Guns N’ Roses abren un pop-up store en la tienda de Jon Varvatos del 315 de Bowery Street (recordemos, esa es la dirección del mítico CBGB), y un sinfín más de noticias.

Guns N’ Roses tardaron casi un año en conseguir alcanzar lo más alto del Billboard con “Appetite for Destruction”, publicado hace la friolera de 29 años, y que fue un álbum que durante más de año y medio sólo se podía comprar en España de importación, si lo encontrabas y a qué precio. Hoy en día, podemos ver a Axl y sus compañeros salir al escenario cada noche desde nuestro teléfono móvil; algunos pensarán que se ha perdido la magia, otros pensamos en cómo sacar todavía más partido de la tecnología, de ese monstruo que aparece en la censurada portada del icónico álbum.